Simplicity is the ultimate sophistication

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Leonardo da Vinci Watercolor by Henri Galland in Cultura Inquieta

calma chicha

Al acomodarse a la fonética castellana, se dijo «calma chicha» para nombrar a esos momentos en que la ausencia de viento hacia desesperar a los marineros. Sería cuestión de tiempo para que, coloquialmente, se usara para referirse a cualquier situación de quietud desesperante.

hace años que no utilizaba esta expresión, y últimamente aparece mucho. me gusta. parece ser que la utilizaba mucho mi abuela. me gustan las cosas que me recuerdan a mis abuelos, porque solo los tengo ya en los recuerdos. también últimamente cuando veo un anciano me entra muchísima ternura. es una ternura triste, de tiempo que se pasa sin remedio, de arrugas surcando un rostro de nuevo cargado de recuerdos. así que juego a convertir estos pensamientos en otros nuevos. hoy, en estos.

la foto

no me conformo con lo que veo.   

“No se trata de pintar la vida” dijo Paul Cezanne, “se trata de hacer viva la pintura”. 

museo de arte contemporáneo de alicante

siempre que viajo me gusta perderme un rato por algún museo o exposición, con la intención de descubrir algo especial que siempre esconde el arte. estés donde estés, jamás defrauda. mis amigas me llaman friki. yo les grita a ellas “incultas!!!”, luego nos pegamos y al final me escapo corriendo de forma sigilosa a ver cuadros. somos así.

hace poco estuve en alicante y descubrí el maca o lo que es lo mismo, el museo de arte contemporáneo de alicante. y me cautivó como hacía tiempo que no me cautivaba ningún museo. el problema es que no llevaba papel y boli para apuntar ese algo especial que descubrí, y lo envié por whatsapp con el móvil y se perdió en el ciberespacio de los miles de whatsapp perdidos en el mundo exterior. ahora que por fin lo he recuperado me gustaría presentaros una lista muy personal de artistas contemporáneos con algo. esa algo que todos buscamos (en el arte, en la calle, en el sueño, en cualquier lado).

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Partiendo de su doble formación en la práctica de la pintura y la fotografía Pep Agut enfoca muy temprano su interés en los problemas de la representación, el papel del artista y el lugar del arte. Entendiendo el espacio del arte como el espacio público por excelencia más allá de toda condición epocal o cultural particular y preocupado por la puesta en circulación de las producciones artísticas y los modos de producción de sentido, Agut desarrolla un complejo y personal proceso de trabajo que le permite imbricar su proyecto estético con su posicionamiento político.
Pep Agut trabaja en sus proyectos desplegando su investigación sobre un amplio repertorio de técnicas, medios y conceptos para someter a estudio las ideas de su interés durante largos períodos de tiempo abordando cuestiones relativas a la representación o el lenguaje, la arquitectura, por ejemplo. Tras un arduo proceso de escritura, sobreescritura y borrado de toda forma de narración expresionista, el artista elabora un complejo índice de modelos plásticos genéricos para la organización de su trabajo. Ello le permite mantener sus proyectos abiertos a nuevas investigaciones sin someterlos a rígidas nociones de estilo y, sobre todo, evitar la producción sistemática de los artefactos en que resultarían. Inventariado así una gran cantidad de material creativo, Agut puede acomodar cualquier momento de su historia artística personal a cada oportunidad expositiva con una formulación específica y particular.

rafael canogar

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Protagonista de uno de los momentos más brillantes del arte contemporáneo español, dice así· “mi obra actual es una reivindicación de la pintura, frente a la fatigosa transgresión que nos rodea. Hace cincuenta años, cuando yo empecé a hacer arte de vanguardia, estaban muy claras las diferencias entre lo que era pintura, escultura, fotografía y diseño. Y al margen había otras áreas que no se consideraban bellas artes, como los espectáculos, las acciones… Pero en determinado momento fue muy difícil ya incorporar elementos nuevos a la creación bidimensional de una tela, después de que Mathieu incorporara el tiempo, haciendo cuadros en cinco minutos, como un espectáculo; o que el japonés Hiraga pintara con los pies sobre una tela en el suelo, balanceándose colgado de una soga. Entonces se empezaron a romper las fronteras entre los géneros. Yo mismo, en los años sesenta, incorporé la escultura a la pintura. Otros introdujeron la fotografía, la acción.”

carmen calvo

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Desde sus tempranas influencias del arte pop y postminimalista, Carmen Calvo (Valencia, 1950) ha desarrollado una identidad propia basada en un lenguaje visual caracterizado por el apropiamiento de objetos vinculados a una memoria histórica y en peligro de desaparecer, que la artista recupera y manipula en un conjunto heterodoxo de técnicas. Utilizando cauchos, collages, dibujo, dorados, objetos diversos o fotografías ampliadas y manipuladas, Calvo nos presenta su particular visión de la condición humana con la figura humana como protagonista predominante. Son anónimos personajes que evocan un pasado irrecuperable de nuestra historia mientras comentan sobre una realidad contemporánea.

jose maría yturralde

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Si hay una constante en la obra de José María Yturralde (Cuenca, 1942) es su determinación por destruir las fronteras entre ciencia y arte con pinturas o esculturas que aúnan inteligencia y sensibilidad. Esta intención queda al descubierto en la Galería Altxerri de San Sebastián (Reina Regente 2), donde el artista expone a partir de mañana sus trabajos pictóricos más recientes. Sus obras evolucionan hacia la aparente desaparición de las formas y muestran la obsesión de Yturralde por el color y el espacio. ‘La forma aparentemente va desapareciendo en mi obra’, explica el pintor, ‘porque me voy acercando a una especie de espacio primigenio, primario, relacionado con la idea del caos, del vacío, del desorden; esa idea un poco oriental de la nada que también es occidental y de los límites entre lo que es y lo que no es’. Pero no se queda en eso. A Yturralde también le interesa la idea clásica de armonía y de belleza, igual que desdibujar las fronteras entre arte y ciencia.

eusebio sempere

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Pintor, escultor y grabador del dinamismo óptico, Sempere ha tomado el tema por antonomasia del ciclo temporal para imitar la creación de lo vivo tallando la materia más abstracta y dura. cada una de las sucesivas estaciones resulta de un estado de los cuerpos: más o menos densos, más o menos turbios, más o menos opacos, cielo  y suelo, nunca igual consolidados para la luz, exhiben colores y gamas distintos. Y a lo que es tiempo como vector de amplificación del espacio en cada uno de los cuadros, vaivén del espacio por obra de la sedación artística, se suma otro tiempo ordenado en fases, en estaciones, en jornadas, en partes del día, en horas, en ilusiones, cuando contemplamos los cuadros en sucesión. Más que para servir a la restitución de apariencias, la pintura se brinda aquí a sustituir la realidad por imágenes capaces de generarla, a facilitar una experiencia del decurso de las estaciones de la que se retiran las vivencias circunstanciales de la mirada. En lugar de réplicas de un ojo inocente ante la constante variación de la naturaleza, la pintura genera aquí un dinamismo tan propio como apto para coincidir con el de los tiempos del año. La acción de la pintura compite en soberanía con la de las estaciones.

ÁLBUMES ILUSTRADOS ¿QUÉ? ¿QUIÉN? ¿CÓMO? ¿PARA QUÉ?

Vivimos en una cultura cada vez más visual, más basada en la imagen. La era digital ha traido consigo un creciente interés por la educación gráfica, las señales y los símbolos. Las imágenes, estáticas o en movimiento, parecen acompañar a casi todas las variantes de la información y el ocio. El arte de la ilustración se define tradicionalmente como “la interpretación o la ornamentación de información textual mediante la representación visual”. En muchos contextos, sin embargo, la imagen ha comenzado a sustituir a la palabra.

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El libro ilustrado tal y como se conoce hoy es relativamente nuevo. Podríamos debatir sobre sus verdaderos orígenes pero hace unos 130 años Randolph Caldecott empezó a aumentar la importancia de la imagen en la narrativa. Actualmente, el libro ilustrado se define por su uso particular de imágenes secuenciales, por lo general asociadas a un pequeño número de palabras, para transmitir significado. En el libro ilustrado actual el texto visual asume casi toda la responsabilidad narrativa. En la mayoría de los casos, el significado surge de la interacción entre la palabra y la imagen, y la una sin la otra no tendría sentido si se experimentasen por separado. Es una forma que continúa evolucionando, que se amplía y se enfrenta al reto de un cuerpo de creadores cada vez más experimental.

Algunos hitos en la historia del libro ilustrado:

– La obra de Caldecott a finales del siglo XIX señala el comienzo del álbum ilustrado moderno. Creó una ingeniosa yuxtaposición de imagen y palabra, un contrapunto que no se había visto antes. Las palabras se omiten, pero la imagen habla. Las imágenes se omiten, pero las palabras hablan.

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– A principios del siglo XX la experimentación con el arte – y la producción- del libro ilustrado fue más audaz y avanzada en Francia que en Gran Bretaña. Babar el elefante apareció en 1931, obra de Jean de Brunhoff, un pintor parisino, como uno de los primeros libros de formato grande, colorido, y texto manuscrito, claro, sencillo, y casi infantil.

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– A partir de la década de 1950, cada vez más diseñadores gráficos se decantaron por el álbum ilustrado. De pronto, aparecieron libros que mostraban un enfoque unificado en cuanto a concepto, imagen y tipografía, ya que muchos de sus diseñadores eran también sus autores. Posiblemente fue entonces cuando empezó a reafirmarse la naturaleza única del libro ilustrado como medio. Un buun ejemplo es Paul Rand, diseñador gráfico americano, y su mujer Ann Rand, escritora. Juntos crearon libros como I know a lot of things (1956) o Sparkle and Spin (1957) que demostraba un conocimiento lúdico y sofisticado de la relación entre palabras e imágenes, formas, sonidos y pensamientos.

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– El libro ilustrado en inglés se benefició de la influencia de artistas y autores de origen europeo que se habían visto obligados a emigrar a Estados Unidos en algunos casos por la guerra: Antonio Frasconi, Roger Duvoisin, Leo Lionni y Miroslav Sasek.

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– En 1960 surgió una corriente de diversos artistas británicos procedentes de escuelas de arte con obras que señalaron una nueva era de pintura y color en el campo del libro ilustrado. El cambio favoreció que los artistas empezaran a expresarse en sus obras de un modo mucho más personal: Charles Keeping, Raymond Briggs o John Burningham (Granpa).

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– Maurice Sendak  podría ser uno de los mejores ilustradores de libros infantiles de todos los tiempos, pero además fue uno de los primeros en influir en los educadores y especialistas, además de en los niños, los padres y la comunidad artística. Muchas de las reglas imperantes hasta el momento se rompieron cuando Sendak utilizó todos los elementos de su arte para transmitir con fuerza la historia de Where the wild things are. Lo que convierte a este libro en una obra maestra es la manera en que el autor trabaja a muchos niveles para transmitir  la profundidad de los sentimientos del joven protagonista a través del color, la forma y la composición.

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– La combinación de virtuosismo técnico con la acuarela y un enfoque sarcástico de los temas históricos en Roy Gerrard le convierten en uno de los artistas del libro ilustrado más interesantes de la década de 1970 (The Favershams).

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– Los libros de Anthony Browne, atraen a niños y profesores desde los 70, cuando creó los primeros álbumes ilustrados después de ejercitarse como artista médico y de postales. Destaca su uso significativo de la metáfora visual para crear historias cargadas de significados, que los lectores de todas las edades deben ir descubriendo. Además las meticulosas ilustraciones del artista casi siempre incluyen sutiles referencias a pinturas muy conocidas, trampantojos y toques de humor visual.

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– También destacan en los 70 el prolífico y versátil Dave Mckee, autor de uno de los primeros libros infantiles postmodernos (I hate my teddy bear); o Janet y Allan Ahlberg, cuyos libros no solo destacan como obra gráfica sino que tratan con imaginación aspectos culturales de la vida que suponen un desafío, al mismo tiempo que divierten a los lectores.

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Del libro ilustrado en el siglo XXI, inmerso en una sociedad cada vez más globalizada, cabría esperar un mercado también más globalizado, con carácter cada vez más internacional. Pero lo cierto es que el libro ilustrado como reflejo cultural de su lugar de origen parece obstinado en perdurar, de la mano de algunos nombres que no se pueden omitir:

· Además de crear sus propios libros, el americano Lane Smith disfrutó de una colaboración especialmente exitosa con el escritor Jon Scieszka. Las señas de identidad de su trabajo incluyen una relación ingeniosa e irónica entre la palabra y la imagen, un diseño imaginativo, elementos postmodernos y una obra gráfica técnicamente espectacular.

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· Mini Grey es una autora- ilustradora con una gran imaginación. Afirma que disfruta utilizando las manos para crear cosas, además de trabajar con pintura y collage en superficies planas. Su obra gráfica posee cierta teatralidad, y estile cierta ironía posmoderna y sutiles referencias que divierten y entretienen también a los padres.

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· La obra de Jimmy Liao también es destacable. No solo por lo minucioso de sus ilustraciones sino por la conexión que estas establecen con experiencias y emociones de personas sencillas en situaciones extraordinarias.

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· La contribución del australiano Shaun Tan a la evolución del álbum ilustrado es inconmensurable.  Ello se debe no solo a la innovación, la maestría técnica y la ambición creativa de sus libros, sino que además es el resultado de sus escritos y sus charlas sobre el tema. Tan ha llevado al concepto de texto pictórico a un nuevo nivel  en el que explora la ambigüedad y el potencial de los múltiples significados en la secuencia visual.

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· Los libros ilustrados de la alemana Jutta Bauer también abordan temas filosóficos sobre los significados más profundos de la vida cotidiana. Las ilustraciones y los textos de Bauer son sencillos y al mismo tiempo profundos y poseen la capacidad de transmitir narrativas con múltiples lecturas.

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· Kitty Crowther, artista y escritora belga, domina con maestría el lenguaje del álbum ilustrado. Con una serie de medios tradicionales limitados, trabaja de un modo directo, aparentemente espontáneo, que habla al lector de manera íntima. En los libros de Kitty Crowther, el texto y las imágenes forman un todo.

En resumen, mantener las tradiciones del álbum ilustrado, pero transformándolas y renovándolas a la vez, supone un logro solo atribuible a los mejores creadores contemporáneos.

Y ayuda a definir la alfabetización visual como el hecho de “pensar qué significan las imágenes y los objetos, cómo se integran, cómo respondemos a ellos o los interpretamos, cómo podrían funcionar como modos de pensamiento, y cómo se asientan en las sociedades que les vieron nacer”. (Kate Raney).

El libro ilustrado es también el principal vehículo para introducir a los niños en el mundo del arte, de manera que padres y profesores tendrán que asegurarse de proporcionarles libros de los mejores ilustradores. Además leer libros ilustrados ayuda a los niños a pensar, proporciona un espacio seguro para que los niños exploren las relaciones emocionales. No existen temas prohibidos o difíciles de tratar en un álbum ilustrado. Tenemos que valorar esa extraordinaria literatura visual que aporta tanto placer a los niños, al mismo tiempo que le plantea retos y contribuye de manera tan positiva a su desarrollo cognitivo, emocional, estético e intelectual.

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de Raúl Cordero

Obra compuesta por una vitrina en el centro y dentro un maniqui que lleva un vestido negro de noche. En las paredes de la sala, siete fotos donde se ve a una mujer llevando el vestido en distintas ocasiones: drogándose, mirándose a un espejo, en una fiesta, encima de una cama… Y una leyenda, en ingles, en la que viene a decir algo asi como: ” John le regaló un vestido a una prostituta con la que salia para que lo llevara a una fiesta. Se gastó un montón de dinero. Pero al día siguiente, la prostituta lo llevó a una tienda y lo vendió. Y John, para la siguiente fiesta, se lo volvió a comprar. Y ella, después de la fiesta, lo volvió a vender. Asi hasta siete veces. Y el vestido se convirtió en ese sueño inalcanzable que todos deseamos conseguir, y al que siempre acabamos renunciando“.